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Barbara Ghisi - Artiste - Ses oeuvres

Barbara Ghisi - Artiste - Ses oeuvres


ART ET ENVIRONNEMENT

Barbara Ghisi, les oeuvres

Verseau

«Les fonds marins, représentation de mondes submergés et inconnus, représentent les lieux de l'âme. Chaque œuvre est un voyage introspectif à la recherche de soi ».Titre: Verseau
Technique: Peinture à l'huile sur toile
Dimensions: 100 x 120 cm
An: 2011

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Qui était Barbara Hepworth

Barbara Hepworth était une artiste anglaise célèbre avant tout pour ses sculptures, considérées parmi les premières œuvres abstraites de l'histoire de l'art anglais. Aujourd'hui, Barbara Hepworth est célébrée par Google avec un doodle car le 25 août 1939, il y a quatre-vingt-un ans, elle a déménagé à St.Ives, une petite ville sur la côte sud de l'Angleterre, où elle a construit son propre studio et est restée pour la reste de sa vie.

Barbara Hepworth est née à Wakefield, West Yorkshire, en 1903. Son père était ingénieur et lui a permis d'étudier et d'obtenir une bourse à la Leeds School of Art d'abord, puis au Royal College of Art de Londres. À cette époque, Barbara Hepworth apprend une nouvelle technique pour son époque: sculpter directement le matériau choisi, sans construire de modèles préparatoires. En 1924, elle épouse l'artiste John Skeaping, auquel elle est restée liée jusqu'en 1931. En 1932, elle entame une relation avec le peintre Ben Nicholson, avec qui elle fait plusieurs voyages à travers l'Europe, au cours desquels elle entre en contact avec l'art de Mondrian, Braques , Picasso et Brancusi.

Corinthos, œuvre de Barbara Hepworth exposée à la Tate de Liverpool, 1954-1955 (Wikimedia Commons)

Hepworth s'est inspiré de ces artistes et dans les années 1930, il a commencé à se concentrer sur les formes abstraites, gagnant une certaine renommée internationale: en 1950, il a représenté sa nation à la Biennale de Venise, en 1959, il a remporté le premier prix à la Biennale de San Paolo et en 1965 il y avait une rétrospective de son travail au Musée Kröller-Müller aux Pays-Bas.

Bien qu'elle puisse jouer un rôle important dans un monde dominé par les hommes, Barbara Hepworth n'a jamais été une militante féministe et n'a pas non plus enquêté sur les rôles de genre dans ses œuvres. Elle a simplement demandé, au cours de sa vie artistique, d'être traitée comme un «sculpteur» et non comme un «sculpteur». Le site de la Tate Modern de Londres résume ainsi le sens de sa production artistique: «Même s'il s'agit de formes et d'abstraction, l'art de Hepworth est avant tout une relation: non seulement entre deux formes mises côte à côte, mais entre la figure humaine et le paysage environnant, entre couleur et composition, et surtout entre personnes au niveau individuel et social ».


ROBERTA DIAZZI - RÊVES DE CRISTAL

Zanini Arte a le plaisir de vous inviter au prochain Vernissage du EXPOSITION PERSONNELLE de ROBERTA DIAZZI, RÊVES DE CRISTAL édité par BARBARA GHISI. L'événement aura lieu SAMEDI 18 NOVEMBRE à 18h00 à la Galleria di VIA VIRGILIO 7 a SAN BENEDETTO PO (MN), avec le patronage de la municipalité de San Benedetto Po.

La Galleria Zanini Arte a le plaisir et l'honneur d'accueillir dans ses salles l'exposition "Crystal Dreams" de Roberta Diazzi, nouvelle lauréate du prix "Leone d'oro" au grand gala d'Arte Cinema e Impresa de la Fondazione Mazzoleni en tant qu'artiste émergente 2017. La poétique artistique de Roberta a toujours été basée sur la relation bidirectionnelle entre objet et concept, d'abord proche du langage du Pop Art américain, elle est ensuite transformée par l'utilisation de cristaux Swarovski certifiés, avec différents diamètres pour donner énergie et puissance à la composition. Une longue recherche sur les matériaux et leurs possibilités infinies a conduit l'artiste à développer un langage original, expressif et synthétique, à travers lequel il donne vie et forme à la pensée et à la réflexion. Dans les œuvres de Roberta Diazzi, tout est gracieusement considéré et précieux. C'est une préciosité jouée dans l'union entre une action ancienne basée sur une fabrication loin des temps agités du monde actuel, et les œuvres elles-mêmes. Des œuvres qui apparaissent comme un témoignage visible d'une passion vitale, soigneusement traitées dans chaque gaufrage donné par le cristal, chaque variation superficielle qui occupe une place précise dans la création d'une partition d'ensemble harmonieuse. Passant entre les mains de l'artiste, la rigidité de la pierre Swarvoski prend vie, prend forme, se convertit à la douce chaleur des courbes, des spirales sinueuses qui façonnent des figures du monde animal, ou des images qui parlent de vies vécues. Une âme de lueurs suggestives et intenses que les œuvres montrent lorsqu'elles sont frappées par la lumière, comme une révélation d'une vitalité cachée, cachée et prête à exploser avec la force chromatique d'une apparence surnaturelle. Peindre avec des cristaux, c'est pour Roberta Diazzi de soutenir un flux créatif continu et ininterrompu: une réflexion se détache sur la transparence du plexiglas, comme une image inattendue, nous rappelant ainsi de nous laisser pousser par l'air de l'imaginaire.

L'élégance et le raffinement de l'œuvre d'art.

Le parcours artistique et d'exposition que Roberta Diazzi a fait en quelques années est surprenant. Mais les objectifs que l'artiste modène a atteints grâce à la méritocratie avec ses propres ressources sont encore plus surprenants. Remarquable est la cohérence avec laquelle il a poursuivi un style personnel au fil du temps, tout en variant les matériaux et les thèmes des sujets représentés. Certains critiques affirment que l'histoire de l'art est faite de la succession de mouvements et de langages, d'où émergent les expériences solitaires d'artistes innovants. Celles-ci contribuent à l'apport original de nouvelles techniques et styles, qui, cependant, n'étant pas facilement interprétables ou réalisables, restent uniques en termes d'innovation et de qualité obtenue. C'est le cas de Roberta Diazzi! Ses œuvres, qui à première vue peuvent paraître simples, sont au contraire le résultat d'une recherche de matériaux précieux et coûteux pas facilement accessibles à tous, et pour cette raison également recherchés par les clients les plus riches et les plus exigeants. Pour compenser cet esprit agité et contemporain d'une société qui impose toujours de nouveaux désirs et des rêves de plus en plus amplifiés. Leur agencement élégant et difficile dans l'œuvre découle alors d'une longue expérience, enrichie et raffinée pas à pas. Les cristaux Swarovski de différentes tailles et couleurs sont les protagonistes absolus de ses œuvres prestigieuses. A partir de 2011, ces précieuses matières facettées et réfléchissantes composent entièrement ses créations. Avec des mesures comprises entre 4 et un demi-millimètre de diamètre, pour pouvoir couvrir même les plus petits espaces de la surface traitée, ils se décomposent et réfléchissent les lumières et les couleurs, donnant aux sujets vibration et vivacité. Chaque œuvre est également accompagnée d'un certificat d'authenticité des cristaux Swarovski. La lumière est nécessaire pour la jouissance du travail. S'il est direct ou tangent, il crée des reflets ou des ombres qui modifient la vision, accentuant la mobilité et le dynamisme des formes. L'image est ensuite intégrée et complétée par une sensibilité et une perception personnelles. Ses œuvres vivent à travers différents passages: l'image photographique que l'artiste décompose pour dessiner des dessins auxquels elle-même attribue des jeux de lumière et d'obscurité, des couleurs vives et des couleurs douces, des jeux d'ombres et de lumière. Les dessins sont ensuite transférés avec le crayon doux à main levée sur le support. Même la surface sur laquelle les cristaux sont appliqués est le résultat d'une longue recherche de matériaux, pour augmenter leur préciosité au nième degré. C'est le plexiglas noir. Des planches brillantes qui augmentent la réfraction lumineuse et tonale au point de recréer une seconde œuvre réfléchie. Une âme cachée entre les ténèbres et la lumière qui émerge en fonction de la position de l'observateur. Des significations superposées et multi-sensorielles donc, pour des œuvres qui en plus d'être vues, peuvent aussi être touchées. Et par le toucher, comme la lumière, entrez dans l'âme du spectateur. Recherche, élégance et professionnalisme distinguent donc le travail de cet artiste, humble et simple dans son être, mais tenace et persévérant dans ses objectifs. Partant des bases solides de la spécialisation en techniques graphiques, réalisée à l'Institut d'Art "Venturi" de sa ville, elle a su utiliser l'immédiateté communicative du signe à travers la technique Pop Art. Élégance des images, que ce soit en couleur ou en nuances de gris entre le blanc et le noir. Le plaisir de la vision esthétique qui se marie à l'immédiateté du sujet représenté, en conservant le caractère exclusif de l'œuvre d'art unique. Ce n'est pas un hasard si des personnes du calibre de Luciano Pavarotti ou des membres de la famille Ferrari voulaient un portrait de sa main. Et les portraits de cet artiste dépassent les données psychologiques et nous donnent des images humaines et réalistes subordonnées au besoin de forme. L'illustre princesse Caroline de Monaco a reconnu et récompensé le raffinement des œuvres de Diazzi, gardant l'une de ses œuvres pour elle. Mais pas seulement! Le prestige de cette artiste a également été reconnu à l'étranger, à tel point que la première dame chinoise Peng Liyuan a voulu un portrait d'elle entièrement élaboré avec 4800 cristaux Swarovski. Après des foires d'art nationales et internationales, elle a vu son protagoniste. Pour couronner cet engagement important, elle a reçu en septembre 2017 à Venise le «Lion d'or en tant qu'artiste émergent 2017» de la fondation Mazzoleni. Par conséquent, si à première vue Roberta Diazzi peut apparaître comme une simple artiste décorative, comme preuve du contraire, il y a la profondeur d'un chemin qui a ses racines dans l'expérience d'un esprit créatif contemporain, intelligent et sensible, destiné à se renouveler. rechercher continuellement dans l'art la charge expressive maximale.

L'artiste

Roberta Diazzi est une artiste modenaise, elle est diplômée de l'institut d'art A. Venturi avec une formation graphique en publicité. Il compte d'innombrables collaborations avec d'importantes galeries, italiennes et étrangères, présentes sur le territoire monégasque et à proximité de Lugano. Il a participé à diverses foires en Europe, sur le territoire asiatique: Hong Kong, Séoul, Singapour et en Amérique: Miami et New York, Saint-Pétersbourg. Sa peinture à l'huile se caractérise par un signe ce qui rend ses œuvres exclusives, mais sa particularité artistique réside dans l'utilisation de centaines de milliers de cristaux Swarovski certifiés de différents diamètres appliqués sur des supports généralement noirs, essentiels pour améliorer la brillance, la lumière et les couleurs des cristaux. Pas des peintures mais des mosaïques de lumière calibrée et coupée pour donner énergie et puissance aux personnages. L'artiste s'inspire de l'art postmoderne, attribuable à cette révision stylistique originale dérivée de la bande dessinée de Roy Lichtenstein et du Pop-Art d'Andy Warhol qui a imposé le «must» de ses portraits aux VIP de son temps. Le peintre a reçu d'importantes commandes de familles italiennes illustres, dont la famille Ferrari, la famille Montezemolo et Luciano Pavarotti lui-même. Depuis plusieurs années, son art est également très recherché à l'étranger: en Principauté de Monaco, la princesse Caroline expose l'oeuvre «l'œvre pop de Monaco» dans son atelier royal. Dernier dans l'ordre chronologique mais sans importance, nous nous souvenons du portrait de Peng Liyuan, catalogué parmi les œuvres les plus importantes de la collection privée de la Première Dame de Chine. Aujourd'hui, Diazzi aux côtés des visages bien connus de la vie mondaine est flanqué de stars importantes qui risquent dangereusement d'être oubliées. On peut la définir comme une "peintre animalière", ses portraits reproduisent en fait des animaux féroces, royaux et sauvages qui regardent le spectateur distrait. Prisonniers des cadres, ils pointent, marchent et volent vers nous qui regardons comme nous les effaçons de leur monde. L'art est un besoin et le besoin de Roberta Diazzi est de faire entrer leur rugissement dans nos consciences.

ENTRÉE LIBRE

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Du collage au féminisme: qui est Barbara Kruger et ce qu'elle a fait pour les droits des femmes

A l'occasion de la journée mondiale contre les violences faites aux femmes, on relit l'histoire de l'artiste américaine: aujourd'hui encore une référence pour l'art en faveur des droits civiques

le New York Times récemment élu Barbara Kruger parmi les plus grands de l'année, en l'insérant entre cinq personnages les plus influents de 2020 - avec FKA Twigs, Dawoud Bey, Angela Davis et Sigourney Weaver. Quand on pense à Barbara Krugerle vôtre vient immédiatement à l'esprit Opéra plus célèbre: "Sans titre (votre corps est un terrain de jeu)". C'était en 1989 et le monde marchait sous le regard d'un femme dont le visage, à mi-chemin entre la réalité et sa propre polarisation, dominait le paysage de Washington. Les femmes ont défilé dans les rues de la capitale des États-Unis d'Amérique contre la législation anti-avortement, qui a vu Roe contre Wade alignés dans un duel politique. Pendant ce temps, les rayures rouges sur ce visage de Kruger indiquaient: "Votre corps / est un / champ de bataille".

Révolutionnaire et éternel avec le sien affiches Barbara Krueger il a transformé les murs de New York en tableaux noirs de communication active. Après tout, "les murs ne sont pas seulement ce qu'ils sont. Ils sont aussi ce que nous voudrions qu'ils soient: soutien des espérances, protection du présent" - pour le dire à Sottsass. Dans les mêmes années, le ville ils ont commencé à recueillir un cri visionnaire: un New YorkGrâce à l'aide de ses étudiants du Whitney Museum of American Art's Independent Study Program, Barbara Kruger a écrit la ville avec son manifeste quelques mois plus tard, le Wexner Center for the Arts de l'Ohio State University lui a demandé d'en faire une version plus grande. Sa affiche iconographiquement, il était tellement associé à la lutte pro-avortement que, dans les 12 heures, un groupe adverse en a raccroché un autre en réponse, représentant un fœtus de huit semaines. Déjà au début de la Années 90, Barbara Kruger était devenu leartiste-icône des droits des femmes. Et cela n'a jamais cessé d'être. Parce que même dans un passé assez récent, Kruger a signé une couverture du Magazine de New York à l'occasion de l'élection de l'ancien président des États-Unis: nous sommes en 2016 et le visage de Donald Trump en première page arbore les mots irrévérencieux «perdant» - protestation contre les nombreux déclarations misogynes émis par le magnat américain.

Au cours des vingt dernières années, leŒuvre de Kruger il a grandi au point d'envelopper les visiteurs dans des salles entières de galeries et de musées, à travers des expositions (également) immersives et interactives de ses œuvres. Aujourd'hui, «être confronté à sa pérennité inquiétante, c'est être désarmé face aux différences de pouvoir et de richesse (.) Et permet de réfléchir à une certaine récurrence des thèmes de l'histoire», écrit Megan 'O Grady sur New York Times. Par exemple, en juin de cette année, les œuvres réalisées à Los Angeles quelques mois plus tôt accompagnaient les manifestations au nom de George Floyd. Ainsi, les mots "Qui achète l'arnaque?" étaient la toile de fond de rangées de personnes menottées à un mur le long de Sunset Boulevard. Toute sorte d'injustice a donné lieu à des œuvres de dénonciation, mais elle est là femme d'avoir conquis le rôle principal dans son discours artistique. Commençant par avilissement de la beauté des canons féminins stéréotypés pour révéler les pressions psychologiques dont souffrent souvent les femmes - des formes de la violence contemporain, même et parfois invisible - Kruger a tenté de démêler les messages traditionnels de adv parler (et parler) aux passants dans les espaces publics. Non à la femme éthérée et parfaite et oui au libre choix. Féministe? Oui, mais sans extrêmes. Il a dépouillé le mariage de sa pression sociale: il est possible de vivre une vie hors de la boîte mère-femme-femme au foyer il est possible de doter une ville de pensées révolutionnaires il est possible d'avoir des inspirations il est possible de ne pas être au service de la virilité, de la possessivité, de la suprématie et du pouvoir.

Au-delà de tous les thèmes - désormais bien connus - de la Barbara que nous aimons, il faut se demander pourquoi un artiste conceptuel, pilier du graphisme analogique, qui a traduit le coller de papier et de colle dans une œuvre d'art, est si courante même à l'ère numérique. "Il semble que tout et rien n'a changé depuis les années 1990", a déclaré la journaliste Megan 'O Grady. Au lieu de cela, en vingt ans, il y a eu une révolution technologique, mais la vérité est que Barbara Kruger, en plus d'avoir anticipé les temps et créé les premiers mèmes de l'histoire, a donné vie au message court - pas à des fins publicitaires mais pour sentiment civique. La brièveté, peut-être dictée par le manque continu de temps, est aujourd'hui le défi de la communication: tweets de 280 caractères, titres prêts à se dissoudre dans Internet, langage cassé et rapide. Le message concis mais intense de Kruger a respecté et respecte tous les canons de la narration contemporaine. Pour cette raison, beaucoup ont considéré son travail comme une forme de marketing sans marque - sinon la sienne. L'artiste a dit aux féministes que parler de féminisme sans le pouvoir des images est presque inutile: il faut donner une autre forme de beauté ou déchaîner la canonisée pour dire à l'autre visage de la féminité. Sa communication était une arme qu'il tentait d'annuler la domination - et elle est toujours d'actualité aujourd'hui.

Aujourd'hui, Kruger enseigne à l'Université de Californie - elle protège sa vie privée et travaille sans assistants, pratiquement la mine d'art américaine. Lorsque la journaliste Megan 'O Grady a tenté de l'interviewer pour le New York Times Great's Issue, Kruger est devenu de plus en plus réticent à l'approche du jour de l'interview. Et quel embarras de demander un portrait pour illustrer une pièce à quelqu'un qui, depuis vingt ans ou plus, a travaillé et travaille encore pour démonter les clichés de l'image! La production artistique de Barbara Kruger a donné naissance à des histoires et essais comme celui sur look masculin par Laura Mulvey, Plaisir visuel et cinéma narratif (1975) - probablement inspiré du buste de femme gravée dans la pierre intitulée "Sans titre (ton regard frappe le côté de mon visage)", oeuvre signée de Kruger datant de 1981.

"Tout stéréotype de violence", "Les innocents. N'ayez rien à craindre", "Qui pense-t-elle qu'elle est?" et encore "Nous n'avons pas besoin d'un autre héros", "Est-ce mon seul but?", "Décorez votre prison" - nous avons besoin, encore et encore, de nouveaux slogans pour réguler l'équilibre social, politique et économique. Pour cette raison, Barbara Kruger ne cesse de créer des œuvres qui racontent l'autre côté de la médaille (féminine).


GHISI, Théodore

GHISI, Théodore. - Il est né à Mantoue en 1536, où cette même année son père Ludovico, un marchand originaire de Parme, avait été «investi» par le Spedale avec la possession d'une maison dans le district de Cigno, puis reconfirmé à G. en 1576 et en 1590 (D 'Arco, II, pp. 138 et suiv., 267).

Dans les années décisives de sa formation, Mantoue était une ville qui, à l'ombre du patronage Gonzaga du cardinal Ercole et du duc Guglielmo, avait encore de nombreuses dettes culturelles envers Giulio Romano, décédé en 1546: certains maîtres, qui à des degrés divers avaient collaborent avec lui, ou qui en tout cas ont grandi au contact direct de ses œuvres, ils perpétuent les styles et les modèles, nourrissant ainsi le goût de la cour ducale. Dans la traduction et la médiation de topoi giulieschi, l'atelier d'Ippolito Costa avait une certaine importance, dans laquelle l'apprentissage de G. devait être achevé, à côté du même âge, et fils d'Ippolito, Lorenzo, et non avec ce dernier, car ils laissez comprendre les sources (ibid., I, p. 78 s.). Ainsi, G. apprit à utiliser un lexique imprégné d'instances maniéristes observées dans les résultats obtenus par le site pictural de la cathédrale, ouvert en 1552, plus tard intégré aux innovations romaines apportées à Mantoue par Lorenzo Costa lui-même, qui entre décembre 1561 et ' En octobre 1564, il collabore avec Federico Zuccari à la décoration du casino de Pie IV et approfondit les expériences acquises lors des séjours à Rome, à Fontainebleau et en Flandre, de son frère Giorgio, plus de seize ans et toujours actif dans l'art de gravure. La collaboration qui a conduit G. à proposer des inventions traduites graphiquement par son frère est due à une relation d'influence mutuelle. C'est ce qui s'est passé pour la gravure représentant Angelica et Medoro, peut-être d'une peinture manquante de G., mais autrefois conservée dans une collection privée à Amsterdam (Thieme - Becker, p. 565) ou, pour celle avec Vénus et Adonis, que Giorgio dérivé d'un original de G., perdu mais documenté dans les collections Gonzaga jusqu'en 1627 (Luzio, 1913, p. 95 et suiv.) Et connu grâce à une copie anonyme conservée au musée des beaux-arts de Nantes. Un dessin attribué à G., relatif au détail du putto avec lapin, est conservé à Chatsworth.

Pour confirmer les relations étroites avec l'environnement de Mantoue, et avec Costa en particulier, il n'y a pas que la Sainte Famille avec l'art. Giovannino de l'église de S. Maria di Castello di Viadana, hommage aux prototypes juliens, se référant à la fin de la septième décennie ou au plus tard au début de la huitième, mais surtout au retable avec le baptême du Christ, pour dont deux versements d'ici 1572, pour l'autel de S. Giovanni Battista dans l'église palatine de S. Barbara (Gozzi, 1974, p. 91).

Construite par la volonté du duc Guglielmo sur une décennie, à partir de la fin de 1562, l'église était un chantier de construction important où les artistes travaillaient sous la direction de G.B. Bertani, architecte de l'usine et responsable de la décoration des autels, peut-être même de la fourniture de modèles aux peintres. Le tableau de G., l'un de ses premiers travaux publics, s'inscrit donc dans un cycle homogène d'un point de vue compositionnel et même stylistique, dont les déclinaisons «romaines» sont en partie dues à la présence locale de tapisseries avec les Actes des Apôtres dérivé de dessins animés raphaélesques et offert par Guglielmo à la basilique palatine en 1569.

Si, avec le Baptême du Christ, G. adhère à la peinture maniériste d'ascendance romaine, en représentant un perroquet avec une extrême minutie, il se montre attentif au rendu des détails naturalistes. Dans ces mêmes années, il a représenté, entre autres, dans deux dessins en couleurs, les perroquets présents dans la résidence de la duchesse Eleonora de Habsbourg, à la demande d'Ulisse Aldrovandi, qui a décrit le musée éclectique appartenant à G. et installé dans un petite chambre dans le bâtiment Te. Ici, il était salarié comme «gardien» (Belluzzi, p. 69) et, depuis 1574, il avait une pièce à peindre (Les gravures…, p. 20).

En 1872, l'oratoire de Mantoue de S. Antonio a été supprimé et détruit. Parmi ses meubles, il y avait deux peintures réalisées par G., la Trinité entre les art. Rocco et Sebastiano, aujourd'hui retrouvés dans un tableau conservé au musée Castelvecchio de Vérone, signé et daté 1577, et la rencontre de Joachim et Anna, retrouvés dans les collections du palais ducal de Mantoue. C'est notamment dans la composition de ce dernier que, en plus des formules juliennes habituelles, une forte ascendance nordique est enregistrée, sans doute du fait du contact étroit avec son frère et de sa production graphique. Si la paternité est confirmée, la prédication du Baptiste pour l'église de Mantoue d'Ognissanti pourrait également remonter à cette période.

Vers 1579, le G. était actif à Carpi: à cette date son nom apparaît dans les registres de la Confraternité de la Miséricorde. Parmi les peintures réalisées à Carpi mentionnées par Campori (pp. 243 et suiv.), L'Assomption de la Vierge pour l'église de S. Giovanni Battista, la Vierge à l'Enfant avec les art. Nicola et Lorenzo, pour l'oratoire de S. Nicola, est maintenant dans l'église de S. Rocco. Dans la cathédrale, il y a la Visitation, réalisée pour Luca Paoletti, dont les armoiries et les initiales apparaissent bien en évidence en bas au centre: c'est une œuvre qui peut être datée, comme les autres Carpi, de la fin des années soixante-dix. , aussi parce qu'il est très proche, en termes de technique exécutive et de structure de composition elle-même, des peintures de 1577 et, en particulier, de la rencontre de Joachim et Anna.

La Crucifixion et les Saints ont été ramenés au début des années 1980, maintenant dans l'église de S. Martino di Treviglio, mais de Mantoue. La solide plasticité des figures est ici flanquée, notamment dans le détail du paysage en arrière-plan, une veine descriptive qui, rendue avec une note chromatique particulière de type miniaturiste, semble dériver de l'activité menée par G. sur le terrain d'illustration du livre de personnages. à la fois scientifiques - les siennes sont les miniatures du De omnium animalium naturis atque formis de Pier Candido Decembrio conservées à la Bibliothèque apostolique du Vatican - et religieuses, avec les neuf miniatures survivantes des livres liturgiques de la basilique palatine de Sainte Barbara.

Peintre payé par la cour (qui se tourna également vers lui pour obtenir des conseils sur les collections ducales), G. participa, avec d'autres artistes, à l'entreprise voulue par les seigneurs de Mantoue, en réalisant des copies de portraits de personnages de famille au début des années 1980. la collection constituée par l'archiduc Ferdinand d'Autriche-Tyrol, frère de la duchesse Eleonora, anciennement conservée au château d'Ambras et aujourd'hui au Kunsthistorisches Museum de Vienne. Son activité de copiste, encouragée par les nombreuses commandes de Gonzaga, notamment dans les années 1990, l'amena à réaliser des copies pour la famille Capilupi, aujourd'hui dispersée, à partir de la série des empereurs peinte par Titien pour Federico Gonzaga. Mieux identifiée (Tellini Perina, 1979 , p. 243), et en mai 1590 à nouveau une série d'empereurs (Bertolotti).

La réorganisation promue par le duc Guglielmo des lieux de pouvoir doit s'inscrire dans un programme politique global: outre le palais ducal, le château de Goito, détruit au XVIIIe siècle. Les «peintres les plus célèbres et les plus excellents qui se retirent» (Une description…, p. 272) ont participé à la décoration des salles. G., qui avec Ippolito Andreasi a préparé les caricatures au Palazzo Te, est documenté dans la salle de la victoire de l'appartement de Guglielmo, où il a créé des peintures de sujets historiques dynastiques qui ont été reconnus dans les grandes toiles du château d'Opočno, non loin loin de Prague: le serment de Luigi Gonzaga, le combat entre les frères Ludovico et Carlo Gonzaga et, avec une attribution plus douteuse (Berzaghi, 1985, p. 53), un fait de la maison Gonzaga. Plaçant l'action principalement au premier étage bondé de petites figures, G. se conforma certes aux demandes d'un programme de célébration dynastique, mais sans considérer le précédent le plus proche et le plus illustre, constitué des toiles réalisées par Tintoret pour les nouvelles salles souhaitées par Guglielmo dans le palais ducal.

A la fin de 1587, le G. fut appelé à Graz, auprès de l'archiduc Charles II de Styrie, frère de la duchesse Eleonora, comme artiste rémunéré par la cour. La première commission importante a vu G. s'engager dans l'exécution du Symbolum apostolorum, signé et daté de 1588, et conservé au Landesmuseum Joanneum à Graz.

En le concevant comme une page illustrée (carrés latéraux, certains allégoriques, d'autres avec Histoires du Christ, face à la Gloire et panneau central avec la Création d'Eve), G. démontre toutes ses caractéristiques: un peintre attentif aux données naturalistes dans le rendu d'animaux toujours fidèles à son origine classiciste Raphaelesque, à partir de laquelle dérivent la plupart des schémas utilisés dans les panneaux mineurs de veine miniaturistique facile attentive à recueillir les influences flamandes narrateur habile. L'adoption du schéma des «mystères» du Rosaire a facilité l'intention didactique déclarée du tableau, acceptant ainsi les demandes de l'archiduc, engagé dans un travail de restauration catholique au sein de son État.

Le tableau devait répondre aux attentes du client, à tel point que la même année 1588, le G. travailla, comme le rappelle également une inscription peinte sur la voûte, dans le somptueux mausolée construit par l'archiduc Charles pour lui-même et pour son épouse Maria di Baviera, annexée à la basilique de Seckau. Le décor dans son ensemble est dû à G., bien qu'il ait eu de l'aide, où toutes les suggestions de la matrice raphaelesque et même corresque se réduisent à des formules grammaticales, à des topoï rhétoriques codifiés.

Les peintures des deux voûtes croisées constituant le plafond avec l'Assomption de la Vierge et le Triomphe de l'Église sont dues à G., le retable avec la Transfiguration flanqué de piliers dans lesquels les quatre évangélistes sont représentés à l'huile sur plâtre le grand panneau sur la paroi latérale au-dessus du cénotaphe avec l'épisode de Sinite parvulos. Véritable portrait de famille, pour lequel un schéma paratactique archaïque mais efficace a été utilisé, il représente un sujet également repris dans une toile conservée au Joanneum de Graz et exécuté par G. en même temps, mais avec une plus grande liberté de composition. Cependant, l'une des caractéristiques de composition du G. reste constante, à savoir l'annulation des niveaux intermédiaires qui crée un écart entre l'horizon et les plans immédiatement proches de l'observateur.

Toujours pour la cour, G. peignit en 1587 les portraits des archiducs, aujourd'hui perdus, et les fresques de la chapelle de la cour de Graz dont Morpurgo (p. 54 et pl. LXXXIX) ne se souvenait plus sur place. Bien que Charles II lui eût accordé une rente de 100 florins par an en 1589, G. était de retour à Mantoue en 1590. Cependant, les contacts avec Graz ne cessèrent pas, si en 1599 le duc de Mantoue Vincenzo intercéda auprès de G.pour copier pour l'archiduchesse Maria un tableau de Luca Longhi qu'elle avait vu dans l'abbaye de S.Benedetto di Polirone (Luzio, 1913, p . 95).

Certaines peintures non documentées, mais qui lui sont référées, et à un moment qui a immédiatement suivi son retour à Mantoue, sont fortement affectées par les expériences mûries par G. en Styrie, et surtout par un certain archaïsme de la représentation. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


Video: Rencontre avec José Pirès